Scielo RSS <![CDATA[Aisthesis]]> http://www.scielo.cl/rss.php?pid=0718-718120170001&lang=pt vol. num. 61 lang. pt <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.cl/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.cl <![CDATA[<strong>Materiality and Spiritless Holes</strong>: <strong>Artaud between Blanchot and Derrida</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100001&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt A partir de las lecturas realizadas por Blanchot y Derrida sobre la obra de Artaud, sostenemos aquí que el descentramiento antrópico de la escritura permite repensar un materialismo (no dialéctico y no sustancial) que hace justicia a la organolepsia impersonal del arte toda vez que no la reduce al horizonte representativo humano. En el recorrido que proponemos, la lógica que Blanchot (en Le livre à venir) y Derrida (en Forcener le subjectile) recuperan de la obra artaudiana implica una reconfiguración de la noción de superficie y fuerza que, concomitantemente, expone un nuevo planteo ontológico y estético. Dicha propuesta revela la necesidad de una distancia con respecto al horizonte moderno para acoger la potencia inorgánica de los materiales sin expropiarlos de su animación y, a la vez, reivindicar lo viviente sin plegarlo a las condiciones de lo humano.<hr/>Through Blanchot's and Derrida's reading of Artaud's work, this article argues that an anthropic decentering of writing enables the redefinition of a non-dialectical and non-substantial materialism which does justice to the impersonal and organoleptic character of art, given that it does not reduce it to the human representative horizon. The conceptual path we follow intends to point out that Blanchot (on Le livre à venir) and Derrida (on Forcener le subjectile) retrieve a certain logic from Artaud's works which implies a reconfiguration of the notion of surface and concomitantly forces a new ontological and aesthetic approach. The latter reveals the need to maintain a distance from the modern horizon in order to offer a space for the materials' inorganic power without depriving it of animation and, at the same time, to vindicate the living without yielding it to human requirements. <![CDATA[<strong>The De-measured Surveyor</strong>: <strong>the Aesthetico-Political Implications of Modern Technique in the Work of Paul Virilio</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100002&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Durante el siglo XX se ha desarrollado un progresivo análisis de las implicancias que tiene la estética sobre la geopolítica y la ordenación del territorio. Si hasta ahora la perspectiva renacentista, en tanto técnica propia de medición del espacio, había posibilitado el desarrollo de la (geo)política como soberanía territorial, las nuevas tecnologías de la información y la comunicación han puesto en crisis la posibilidad misma de control y medición sobre dicho espacio de aparición política. A través de los textos de Paul Virilio, el presente artículo analiza la crisis del espacio como posibilidad de medida y organización de la producción en la era de la información, identificando las principales consecuencias que tiene el declive de la (geo)política sobre las relaciones sociales y urbanas.<hr/>During the 20th Century, a progressive analysis of the impact of aesthetics on geopolitics and territorial arrangement has been developed. If so far the Renaissance perspective, as a technique that is proper of the measurement of space, had enabled the development of (geo)politics as territorial sovereignty, the new technologies of information and communication have provoked a crisis for the very possibility of control and measure over said space of political appearance. Through the writings of Paul Virilio, this article analyzes the crisis of space as a possibility of measuring and organizing production in the information age, identifying the major consequences of the decay of (geo)politics over social and urban relations. <![CDATA[<strong>The Avid Eye</strong>: <strong>Two Broken Realisms in Jean Renoir's <i>Naná</i></strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100003&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt El artículo analiza la manera en que Jean Renoir en su película Naná -adaptación de la novela de Émile Zola- expone la imposibilidad de que exista una "mirada objetiva" en sus personajes. Este trabajo plantea que Renoir muestra dicha imposibilidad a través de técnicas narrativas que cuestionan al mismo tiempo las posibilidades de "realismo" en el séptimo arte. El artículo explica la existencia de "dos realismos" -el narrativo y el descriptivo- constitutivos del texto fílmico, y que son utilizados por Renoir, paradójicamente, para negar la objetividad en la mirada de sus personajes.<hr/>This article analyzes the way in which Jean Renoir, in his film Naná -an adaptation of Émile Zola's novel- shows the impossibility of an "objective point of view" for its characters. It is argued that Renoir shows this impossibility through narrative techniques that question, at the same time, the possibilities of "realism" in cinema. The article explains the existence of "two realisms" -narrative and descriptive- as constitutive of the filmic text, that are used paradoxically by Renoir to deny objectivity in his characters' point of view. <![CDATA[<strong>Buñuel in Mexico</strong>: <strong>Notes about the Representation of Poverty in the Films <i>El gran calavera, Los olvidados, El Bruto</i> and <i>Nazarín</i></strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100004&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt El objetivo de este texto es explorar y discutir acerca del modo en que, tanto el cine industrial como el cine de autor realizado en México, Luis Buñuel nos introduce en la fabricación de nuevas representaciones fílmicas de la pobreza. Para ello se analizarán las cintas El gran calavera (1949), Los olvidados (1950), El Bruto (1952) y Nazarín (1959). Se sostiene que estas cintas dejan entrever diferentes formas de inscripción de la pobreza que tensionan la hegemonía representacional impuesta por la época de oro del cine mexicano. Además, se reconoce el ideal del deseo como un mecanismo común en las acciones de sus protagonistas.<hr/>The aim of this text is to explore and discuss the way in which both the commercial films and the auteur cinema made by Luis Buñuel in Mexico, introduce us to the production of new cinematic representations of poverty. In order to do this, the films El gran calavera (1949), Los olvidados (1950), El Bruto (1952) and Nazarín (1959) will be analyzed. It is argued that these films suggest different ways in which poverty is inscribed that put the hegemonic representation imposed by the golden age of Mexican cinema under tension. Moreover, the ideal of desire is recognized as a common mechanism in the actions of its protagonists. <![CDATA[<strong>Existential Enclaves</strong>: <strong>Terminal Illness on the Screen</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100005&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Este ensayo explora los recorridos fílmicos que viven los sujetos protagonistas a partir de dos casos de estudio: Lightning Over Water (1979), de Nicholas Ray y Wim Wenders, y Sick, The Life and Death of Bob Flanagan, Supermasochist (1996), de Kirby Dick. En ambos films la experiencia límite, provocada por una enfermedad, se convierte en un dispositivo activo y generador de conocimiento para los protagonistas. En esta experiencia radical se pone de manifiesto el vínculo entre autorrepresentación y una voluntad de autodestrucción, y se interrogan los márgenes normativos de la racionalidad. A partir de los estudios de Jean-Luc Nancy, Jean Baudrillard y Clément Rosset, este artículo explora una lectura sobre la enfermedad terminal y la autorrepresentación tanto en el contexto del dolor como en el proceso voyeurístico de la muerte como espectáculo.<hr/>This paper explores the filmic trajectories experienced by the protagonists in two case studies: Lightning Over Water (1979) by Nicholas Ray and Wim Wenders, and Sick, The Life and Death of Bob Flanagan, Supermasochist (1996) by Kirby Dick. In both films, the limit-experience, caused by a disease, becomes an active device, one that produces knowledge for the protagonists. In this radical experience, what is revealed is the link between self-representation and a will to self-destruction, and the normative margins of rationality are questioned. Based on the studies of Jean-Luc Nancy, Jean Baudrillard and Clément Rosset, this essay examines an approach to terminal illness and self-representation both in the context of pain and the voyeuristic process of death as a spectacle. <![CDATA[<strong>The Community in Montage</strong>: <strong>Georges Didi-Huberman and the Politics in Images</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100006&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt El presente trabajo se instala en el umbral entre estética y política para interrogar la obra más reciente de Georges Didi-Huberman. Se sostiene que su "pensamiento de las imágenes" no solo implica una política del arte, sino además un arte de la política, vale decir, una política estética que nos conduce a la arena del debate propiamente político, mostrando ya no solo las implicancias políticas de las imágenes, sino, de manera mucho más decisiva, los supuestos figúrales de la política. Se proponen los principales rasgos de este programa para finalmente mostrar los alcances del montaje como apuesta estético-política de articulación de lo común, y como culminación de la intervención didi-hubermaniana.<hr/>This paper is located at the threshold between aesthetics and politics in order to interrogate the most recent works by Georges Didi-Huberman. It is argued that his "thinking of images" implies not only a politics of art, but also an art of politics, i. e., an aesthetic politics that lead us to the arena of actual political debate, showing not only the political implications of images but, much more decisively, the figural assumptions of politics. We discuss the main features of this program, before showing the scope of montage as an aesthetic and political articulation of the common, and as the culmination of Didi-Huberman's intervention. <![CDATA[<strong>"On Gardens" in José Donoso's Writings</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100007&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Este trabajo aborda la figura del jardín en la escritura de José Donoso a través de una selección de novelas y crónicas urbanas. La revisión de estas obras revela que el jardín promueve la legibilidad de sujetos y paisajes urbanos al interior de un espacio de voluntad donde se debaten discursos estéticos y políticos. El jardín emerge así como un hito en el paisaje urbano y escritural que convoca la mirada vigilante de los estrategas y las aspiraciones comunitarias de los disidentes.<hr/>This article focuses on the figure of the garden in a selection of novels and urban chronicles by José Donoso. A study of these works reveals that the garden fosters the legibility of subjects and urban landscapes within a space of power where aesthetic and political discourses confront each other/are debated. The figure of the garden emerges as a milestone in a written and urban landscape that attracts the vigilant gaze of strategists and the communal aspirations of dissidents. <![CDATA[<strong>The Aesthetic Construction of the Image in Diamela Eltit's Performance <i>Zonas de dolor</i></strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100008&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Este trabajo analiza la acción de arte Zonas de dolor de Diamela Eltit, que consiste en video-performace, realizados en la década de los ochenta, durante la dictadura chilena en lugares marginales. Veremos de qué forma el espacio marginal y el cuerpo herido de la protagonista producen subjetividades que resisten políticamente el contexto de extrema violencia, y cómo los espectadores se emancipan activamente para conformar una comunidad desagregada que orgullosamente se sostiene en la marginalidad.<hr/>This paper analyzes the art action titled Zonas de dolor by Diamela Eltit, produced in the eighties. These video-performances were set up in marginal locations during the Chilean dictatorship. We will analyze how the marginal space and the hurt body of the protagonist produce subjectivities that exercise political resistance in the context of extreme violence and how the spectators emancipate themselves actively to create a disaggregated community which stands proudly at the margins. <![CDATA[<strong>An Aesthetics of the Border</strong>: <strong>Chilean Anthropological Literature</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100009&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt En este artículo exploraremos la metalengua de la Literatura Antropológica Chilena, asumida en tanto género textual autónomo que estéticamente integra la literatura y las ciencias sociales. Entenderemos como metalengua aquellos principios estéticos desarrollados por los autores pertenecientes al género antropológico literario, los cuales se encuentran dentro o fuera de los textos producidos por estos escritores, y que evidencian una comunidad de creación y recepción empeñada en dar sentido a su labor desde el delineamiento de sus límites transdisciplinarios. Ello con el fin de identificar en esta elaboración una búsqueda estética original y aún curso.<hr/>In this article we explore the metalanguage of Chilean anthropological literature, as an autonomous genre that aesthetically integrates literature and social sciences. By metalanguage we shall understand the aesthetic principles developed by the authors of said genre, which can be found within or outside of their writings, and that show the existence of a community of creation and reception that insists in making sense of its work by delineating its transdisciplinary borders. All of this in order to identify in this development the ongoing search for an original aesthetics. <![CDATA[<strong>Rodrigo Olavarría's Intimate Notebooks</strong>: <strong>a Combative Slave at the Borders</strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100010&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Los cuadernos de Rodrigo Olavarría (1979), enunciados desde el diario íntimo o el carnet de escritura, poseen una estructura similar: una ruptura amorosa, un viaje motivado por el duelo y la alusión al amor como una excusa difuminada entre miles de lecturas a través de las cuales se develan las posturas del artista. Él se sacrifica por su ejercicio y vive conectado al presente de su cotidianeidad. Sin embargo, es capaz de exceder el encierro de escritura donde el yo se enfrenta a sí mismo para intentar asir el pasado, la memoria y el entorno. Su sacrificio lo convierte en un estoico, un esclavo, un combatiente. Desde tales arquetipos, y dado su peregrinaje, arranca la lectura política propuesta en el presente artículo.<hr/>Rodrigo Olavarría's notebooks, formulated as intimate diaries or notebooks, have a similar structure: a romantic breakup, a journey moved by grief and the reference to love as an excuse that fades among thousands of readings through which the artist's identity and stance are revealed. He sacrifices himself for his exercise and he lives connected to the present of his daily life. However, he is capable of exceeding the isolation of writing where the self faces itself and attempts to cling to the past, memory and the environment. His sacrifice turns him into a stoic, a slave, a fighter. Such archetypes, and his pilgrimage, are the starting point of the political reading approach proposed in this article. <![CDATA[<strong>Jorge Iturriaga. </strong><strong><i>La masificación del cine en Chile, 1907-1932. La conflictiva construcción de una cultura plebeya</i></strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100011&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Los cuadernos de Rodrigo Olavarría (1979), enunciados desde el diario íntimo o el carnet de escritura, poseen una estructura similar: una ruptura amorosa, un viaje motivado por el duelo y la alusión al amor como una excusa difuminada entre miles de lecturas a través de las cuales se develan las posturas del artista. Él se sacrifica por su ejercicio y vive conectado al presente de su cotidianeidad. Sin embargo, es capaz de exceder el encierro de escritura donde el yo se enfrenta a sí mismo para intentar asir el pasado, la memoria y el entorno. Su sacrificio lo convierte en un estoico, un esclavo, un combatiente. Desde tales arquetipos, y dado su peregrinaje, arranca la lectura política propuesta en el presente artículo.<hr/>Rodrigo Olavarría's notebooks, formulated as intimate diaries or notebooks, have a similar structure: a romantic breakup, a journey moved by grief and the reference to love as an excuse that fades among thousands of readings through which the artist's identity and stance are revealed. He sacrifices himself for his exercise and he lives connected to the present of his daily life. However, he is capable of exceeding the isolation of writing where the self faces itself and attempts to cling to the past, memory and the environment. His sacrifice turns him into a stoic, a slave, a fighter. Such archetypes, and his pilgrimage, are the starting point of the political reading approach proposed in this article. <![CDATA[<strong>Emma Tarlo y Annelies Moors, editoras. </strong><strong><i>Islamic Fashion and Anti-Fashion: New Perspectives from Europe and North America</i></strong>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812017000100012&lng=pt&nrm=iso&tlng=pt Los cuadernos de Rodrigo Olavarría (1979), enunciados desde el diario íntimo o el carnet de escritura, poseen una estructura similar: una ruptura amorosa, un viaje motivado por el duelo y la alusión al amor como una excusa difuminada entre miles de lecturas a través de las cuales se develan las posturas del artista. Él se sacrifica por su ejercicio y vive conectado al presente de su cotidianeidad. Sin embargo, es capaz de exceder el encierro de escritura donde el yo se enfrenta a sí mismo para intentar asir el pasado, la memoria y el entorno. Su sacrificio lo convierte en un estoico, un esclavo, un combatiente. Desde tales arquetipos, y dado su peregrinaje, arranca la lectura política propuesta en el presente artículo.<hr/>Rodrigo Olavarría's notebooks, formulated as intimate diaries or notebooks, have a similar structure: a romantic breakup, a journey moved by grief and the reference to love as an excuse that fades among thousands of readings through which the artist's identity and stance are revealed. He sacrifices himself for his exercise and he lives connected to the present of his daily life. However, he is capable of exceeding the isolation of writing where the self faces itself and attempts to cling to the past, memory and the environment. His sacrifice turns him into a stoic, a slave, a fighter. Such archetypes, and his pilgrimage, are the starting point of the political reading approach proposed in this article.