Scielo RSS <![CDATA[Aisthesis]]> http://www.scielo.cl/rss.php?pid=0718-718120150002&lang=en vol. num. 58 lang. en <![CDATA[SciELO Logo]]> http://www.scielo.cl/img/en/fbpelogp.gif http://www.scielo.cl <![CDATA[<b>Heidegger's Interpretation of Plato as the Genesis of the Question of Art</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200001&lng=en&nrm=iso&tlng=en El presente artículo analiza las diferentes posibilidades interpretativas de la conferencia de Heidegger Der Ursprung des Kunstwerkes, con la finalidad de esclarecer las causas y el sentido del abordaje heideggeriano de fenómeno artístico en la década del treinta. En ese camino, el trabajo expone una vía analítica centrada en la relectura de Platón que lleva adelante el autor en 1931, intentado establecer una correspondencia entre arte, política y filosofía. Para llevar a cabo los objetivos propuestos, resulta nodal el desmontar y cotejar las diferentes redacciones de la conferencia, así como sus agregados y epílogos.<hr/>The present article analyzes the different interpretive possibilities of Heidegger's Der Ursprung des Kunstwerkes conference, with the purpose of clarifying the reasons and the sense of the heideggerian's boarding of artistic phenomenon in the decade of thirty. In this way, the work exposes an analytical route centred on Plato's rereading that the author takes forward in 1931, trying to establish a correspondence between art, politics and philosophy. To take to end the proposed aims, they turn out to be nodose to dismount and to arrange the different drafts of the conference, as well as his attachés and epilogues. <![CDATA[<b>The Standpoint of Discursive Subjectification and the Perspective of the Impersonal</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200002&lng=en&nrm=iso&tlng=en En el pensamiento contemporáneo, con frecuencia se intenta concebir la constitución de la subjetividad y el proceso de subjetivación en términos discursivos. En este artículo se explora una visión perspectivista de la subjetivación discursiva, según la cual la construcción subjetiva de la enunciación se pone de manifiesto cuando el sujeto de la enunciación no resulta tematizado explícitamente en el enunciado, sino que se mantiene implícito como el punto de vista que enfoca la enunciación. Desde ese punto de vista perspectivista de la subjetivación discursiva, proponemos cierto diálogo entre el discurso que, en nuestra cultura, ha tratado de articular una escritura de sí (como la confesión), y un tipo de subjetivación más impersonal que preserve ese espacio íntimo y ese punto de fuga de la enunciación que es el sujeto enunciativo, sin sobre-exponerlo.<hr/>In contemporary thought, is often meant to conceive the constitution of subjectivity and subjectification process in discursive terms. This article explores a perspectival view of discursive subjectification, according to which the subjective construction of enunciation is revealed when the subject of enunciation is not explicitly a thematic subject in the statement, but remains implicit as the viewpoint focusing enunciation. From that perspectival standpoint of discursive subjectification, we propose a dialogue between the discourse that, in our culture, have tried to articulate a writing of the self (like confession), and a kind of subjectification more impersonal which preserves the intimate space and the vanishing point of enunciation, namely, the subject of enunciation, without over-exposing him. <![CDATA[<b>A Trembling Voice</b>: <b>Music and Self-affection in Jacques Derrida</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200003&lng=en&nrm=iso&tlng=en El presente artículo busca mostrar que el estatuto de la música en la obra de Jacques Derrida propone una problematización rigurosa de la figura de la auto-afección. Si esta última encuentra en la voz su modelo ejemplar, en tanto espacio en el cual un sí-mismo garantiza la estabilidad de su presencia, la formulación derrideana de la música como experiencia de una apropiación imposible sugiere una reformulación de la voz auto-afectiva. La auto-afección, como posibilidad de una subjetividad, ya no sería un espacio homogéneo y cerrado sobre sí, sino un espaciamiento que instituye e impide a la vez el monólogo de la voz.<hr/>This paper attempts to show that the status of music in Jacques Derrida's work offers a rigorous account of the figure of Self-Affection. If voice is the exemplary model of Self-Affection, as a space in which a Self ensures the stability of his presence, Derrida's development of music as an experience of an impossible appropriation suggests a restatement of the self-affective voice. Self-Affection, as the possibility of subjectivity, would no longer be a homogeneous space enclosed on itself, but rather a spacing which establishes and prevents at the same time the monologue of voice. <![CDATA[<b>"Then I wanted to smoke"</b>: <b>Opium in César Vallejo and Pablo Neruda: Asian Roads of Experimentation</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200004&lng=en&nrm=iso&tlng=en César Vallejo y Pablo Neruda fuman el opio cuando están escribiendo Trilce (1922) y Residencia en la tierra (1935), respectivamente. No mencionan la droga en sus colecciones, pero ambos escriben al margen de su obra literaria textos sobre su experiencia narcótica: un cuento-testimonio, en Vallejo; confesiones y memorias, en Neruda. Los dos poetas igualmente describen al opio como una puerta de valoración de lo asiático, sus costumbres y habitantes. Por medio del análisis de los escritos sobre el opio de Vallejo en su cuento "Cera" de Escalas melografiadas (1923) y de Neruda en su poema "El opio en el Este" de Memorial de Isla negra (1964), este artículo investiga, por un lado, los conceptos estéticos que se revelan en las relaciones del opio con la escritura de estos poetas, y por otro lado, las relaciones del opio con lo asiático que establecen los escritores como una forma de definir sus concepciones políticas.<hr/>César Vallejo and Pablo Neruda smoked opium when they are writing Trilce (1922) and Residence on Earth (1935), respectively. There is no mention of the drug in their poetry collections, but both wrote literary texts telling their narcotic experience: a short-story in Vallejo; confessions and memoirs, in Neruda. The two poets also described the opium as a door to Asia, its customs and people. Through an analysis of Vallejo's short story, "Cera", included in Escalas Melografiadas (1923) and Neruda's poem "El opio en el Este", included in Memorial de Isla negra (1964), this paper investigates, on the one hand, the aesthetic's concepts revealed thru the relationships between opium and the writing of these poets, and on the other hand, the connections thru opium with the Asia ad way to define the political views of the poets. <![CDATA[<b>Territories of Violence in Detective Novels and Narco-Literature in Latin America</b>: <b>Mario Mendoza, Peter Elmore and Alejandro Páez</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200005&lng=en&nrm=iso&tlng=en El artículo expone la problemática de la violencia en las sociedades latinoamericanas a través de su representación en una serie de novelas publicadas a partir de los años noventa. Para ello se seleccionó las novelas policiales Enigma de los cuerpos (1995) de Peter Elmore, Satanás (2002) de Mario Mendoza y las narconovelas Corazón de Kalashnikov (2009), El reino de las moscas (2012) y Música para perros (2013) de Alejandro Páez Varela. Ellos son textos que recogen la situación de los personajes-víctimas de la novela criminalizada a través de la mirada narrativa sobre territorios muy delimitados como la Lima de Elmore, la Bogotá de Mendoza y Ciudad Juárez de Páez Varela.<hr/>This article exposes the problem of violence in Latin American societies through the representation found in a series of novels first published in the 90s. The analysis focused on two detective novels: Enigma de los cuerpos (1995) by Peter Elmore, Satanás (2002) by Mario Mendoza and three narco-novels: Corazón de Kaláshnikov (2009), El reino de las moscas (2012) and Música para perros (2013) by Alejandro Páez Varela. These texts consider the situation of the protagonists-victims of the criminalized novel through a narrative perspective regarding limited, clearly-defined territories, such as Lima in Peter Elmore's novel, Bogotá in Mario Mendoza's and Ciudad Juárez in Páez Varela's. <![CDATA[<b>Figures of Violence in Argentine Contemporary Narrative</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200006&lng=en&nrm=iso&tlng=en El artículo se propone interrogar y analizar una serie de figuras de la violencia en un corpus narrativo de ficciones literarias -novelas y relatos publicados en Argentina entre 1995 y 2005, en esa temporalidad de pasaje que puede nombrarse como fin o el cambio de siglos- haciendo foco en el vínculo entre violencia y vida cotidiana bajo el neoliberalismo. De esta manera se busca dimensionar y contribuir a delinear, a partir de una lectura sintomática de las narrativas seleccionadas, las lógicas productivas del poder y la violencia en dominios aparentemente ajenos al uso de la fuerza, en situaciones en que éstas se insinúan como potencialidad, latencia o castigo: violencias del mercado, de la palabra y de la técnica son algunas de las que nos interesa destacar como lugares privilegiados de ejercicio y reproducción de los imperativos de la ideología neoliberal tanto en su dimensión objetiva como el conjunto de sus consecuencias subjetivas.<hr/>The article proposes to examine and analyze a series of figures to violence in a narrative corpus of literary fiction-novels and stories published in Argentina between 1995 and 2005, in the timing of passage that can be named as an end or change centuries-making focus on the link between violence and everyday life under neoliberalism. It seeks so to size, from a symptomatic reading of these selected narratives, productive logics of power and violence in ostensibly non-use of force domains, in situations in which they insinuate themselves as potential latency or punishment: violence in market, speech and technology are some of those privileged places of exercise and playing the imperatives of neoliberal ideology both in its objective dimension and all its subjective consequences. <![CDATA[<b>Art and the Subversion of Archive</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200007&lng=en&nrm=iso&tlng=en Este texto realiza un análisis crítico de una difundida tesis sobre el arte contemporáneo: que el archivo es el "paradigma", la "metáfora" privilegiada, o bien una clara "tendencia" de sus prácticas. Tras la revisión de los principales trabajos teóricos e historiográficos que han planteado esta cuestión, aquí se propone otra visión sobre las relaciones entre arte y archivo. Para nosotros el archivo es una máquina social que organiza y administra tanto los signos como nuestros propios cuerpos, mediante diversas tecnologías de archivarían que definen nuestra "actualidad". De ese modo ciertas estrategias artísticas recientes pueden ser comprendidas más como subversivas que como subsidiarias del archivo. Es allí donde radica la singularidad de tales prácticas respecto de este.<hr/>The following text critically analyzes a common thesis on contemporary art: the archive is the "paradigm", the privileged "metaphor", or a clear "trend" of its practices. After a review of the main theoretical and historical works that have raised this problem, this article proposes another view of the relationship between art and archive. If the archive is defined as a social machine that organizes and manages both signs as our own bodies through various archiving technologies that define our present, some recent artistic strategies can be understood more as subversive than as subsidiaries of the archive. Therein is where the singularity of such practices lies. <![CDATA[<b>Artistic Boundaries in Baldomero Sanín Cano's Essays on Art and Aesthetics</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200008&lng=en&nrm=iso&tlng=en La obra del ensayista y crítico colombiano Baldomero Sanín Cano ha despertado recientemente el interés académico, a causa de su participación en las discusiones estéticas y literarias de Colombia y América Latina. Pese a esto, se carece de trabajos que valoren su aporte a la discusión sobre expresiones plásticas y visuales en Colombia. Este texto se ocupa de uno de los temas recurrentes de su trabajo: las diferencias entre las artes y, más específicamente, entre las artes de la imagen y de la palabra. Se revisa el estado de la discusión en torno a los textos de Sanín Cano que se ocuparon de artes visuales y estética. Por último, se consideran algunos de ellos y se postula una hipótesis sobre el papel que el parangón entre pintura y poesía tiene en sus ideas sobre la taxonomía de las artes.<hr/>Baldomero Sanín Cano's work has been recognized as a significant milestone in literary and artistic Colombian and Latin-American scene. Despite of this, there are few researches on his contribution to the discussion on plastic and visual arts in Colombia. The article discusses one of the recurrent Sanín Cano's topics: the differences between arts and, more precisely, between picture arts and word arts. In order to analyze this problem, the state of art related to Sanín Cano's essays is discussed. The article shows the role of arts classifications in aesthetic theory. Moreover, the article analyzes some Sanín Cano's texts in order to convey the role of the comparison between painting and poetry in his thesis about arts taxonomy. <![CDATA[<b>Antonio Smith (1832-1877)</b>: <b>a Proposal for Cataloging his Artwork</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200009&lng=en&nrm=iso&tlng=en Smith en la búsqueda de una expresión personal se apartó de la jerarquía temática impuesta por la Academia de Pintura. Cultivó dos géneros preferentemente: el paisaje y la caricatura. Sin embargo, su figura ha sido escasamente estudiada, no existiendo un catastro de su obra. Por lo que proponemos catalogarla dentro del marco de la investigación "Antonio Smith, ¿Historia del paisaje en Chile?" La metodología empleada considera los aspectos formales de procedencia y publicaciones de las obras aplicando estándares implementados por el Centro de Documentación de Bienes Patrimoniales. Este trabajo busca generar información concisa, especializada y actualizada del legado de Smith.<hr/>Smith, an artist who in the search for a personal expression moved aside from the thematic hierarchy imposed by the Academy of Painting. Smith focused his work primarily on two genres: landscape and caricature. However, his works has been scarcely studied, with no record of his work. We propose under the study "Antonio Smith, History of the landscape en Chile?" To catalogue his work the methodology used considers formal aspects like origin y publications related to Smith's work, applying standards implemented by the Center of Documentation of Properties and Investments. This work seeks to generate specialized and concise information updating the legacy of Smith. <![CDATA[<b>Developing Citizenship Through Art Education and Educational Heritage</b>: <b>Urban Identities in Latin American</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200010&lng=en&nrm=iso&tlng=en En este artículo planteamos una nueva mirada hacia la ciudad, una mirada desde la perspectiva de los docentes. Descubrimos inusuales espacios vinculados al ámbito cultural urbano, geografías aptas para crear escenarios de aprendizaje y para revisar la mirada del profesorado hacia el espacio urbano. Los educadores constituyen un poderoso referente cultural y social capaz de articular el complejo entramado humano que delimita la ciudad. Partimos de las aportaciones que desde la cultura visual y la educación en artes visuales han planteado diversos autores. Nuestro trabajo utiliza metodológicamente el estudio de caso y se asienta en el análisis las encuestas realizadas a docentes de Santiago y Montevideo y en la observación en directo de varias actividades compartidas con el profesorado de Chile y Uruguay.<hr/>In this paper we propose a new view to the city and the urban cultural sphere, geographies to create places of learning from a teachers perspective. We discover unusual spaces linked to the cultural urban geographies suitable to create learning scenarios and reviewing a particular teachers' seeing to the urban space. Educators are a powerful cultural reference to articulate the complex human endeavor that defines the city. We use the contributions from visual culture and visual arts education. Our work uses a case study analysis based on survey results from Santiago and Montevideo teachers. We used direct observation of several shared activities with Uruguayan and Chilean teachers. <![CDATA[<b>Ways of Looking / Ways of Doing</b>: <b>From the Camera to the Body</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200011&lng=en&nrm=iso&tlng=en Partiendo de El hombre de la cámara, de Dziga Vertov, hasta la estrategia de grabación de la cámara-cuerpo desarrollada por la coreografía contemporánea y la filmación en vídeo, este artículo propone un recorrido historiográfico por distintas construcciones de hombres y mujeres de la cámara. A partir de una perspectiva de análisis escénica, se comparan las situaciones de grabación en tres momentos históricos: el cámara-operador en el momento de afirmación del montaje como lenguaje propio del cine, la cámara en primera persona a raíz del cine directo de Jonas Mekas y Robert Kramer, y la cámara-cuerpo en la obra de Olga Mesa y La Ribot, y en el trabajo en vídeo El ocaso del miedo, del colectivo Productora de Comunicación Social.<hr/>From The camera man, by Dziga Vertov, to recording technique through the camera-body developed by contemporary choreography and video filming, this article proposes a journey through different images of camera men and women. From a scenic perspective analysis, recording scenarios are compared in three historical moments: the camera-operator at the time of montage claim as their own language of film, the camera in first person following the direct cinema of Jonas Mekas and Robert Kramer, and the camera-body in the work of Olga Mesa and La Ribot, and the video work The decline of fear, by the collective Producer of Social Communication. <![CDATA[<b>A Theoretical Frame for a Study of the Script in the Chilean Cinema</b>: <b>Preliminary Notes</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200012&lng=en&nrm=iso&tlng=en El artículo presenta el marco teórico para estudiar los modelos de guion en el cine chileno de ficción. La literatura publicada y el creciente interés en la formación de guionistas en la industria audiovisual, tanto en Chile como en el extranjero, dan cuenta de la necesidad de abordar los principios dramatúrgicos y los estándares profesionales desde una mirada integradora, que supere los clásicos modelos de escritura creativa. Más allá de las divergencias o acuerdos de dichas teorías, el guionista -por aceptación o negación- pareciera que no puede obviar las influencias de algunas reglas básicas de estructura narrativa.<hr/>The article presents the theoretical frame to study the models of script in the Chilean cinema. The literature published and the increasing interest in the scriptwriters' formation in the audio-visual industry, both in Chile and in foreigner, realize of the need to approach the dramaturgy and the professional standards from an of integration vision, which it overcomes the classic models of creative writing. Beyond the differences or agreements of the above mentioned theories, the scriptwriter -for acceptance or denial- seemed that it cannot obviate the influences of any basic rules of narrative structure. <![CDATA[<b>Chilean Cinema in Two Phases</b>: <b>for a Reading About the Displacement From the Theatrical Picture to the Cinematographic Frame</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200013&lng=en&nrm=iso&tlng=en Proponemos un cruce de lectura entre la estética del cine silente chileno y sus relaciones con el cine contemporáneo Generación 2000, distinguiendo el desplazamiento del cuadro teatral al encuadre cinematográfico. El cine de los comienzos manifiesta ante todo un interés en sí mismo, y lo cotidiano de sus registros de la realidad opera como pretexto para un recurso que explora sus posibilidades técnicas y estéticas. En el cine contemporáneo se adopta una relación de otro tipo con lo cotidiano, intentando explorar los distintos niveles de sentido en el registro de la realidad y la temporalidad, a la par de una búsqueda del cine como representación e interrogación de mundo.<hr/>We propose a reading cross between the aesthetics of the Chilean silent cinema and their relationship with contemporary cinema Generation 2000, identifying the movement from the theatrical picture to the cinematographic frame. The early cinema mainly manifests an interest on itself, and the quotidian of their records of reality works as an excuse to a resource that explores their technical and aesthetic possibilities. In contemporary cinema, a different relationship with the quotidian is adopted, trying to explore the different levels of sense in the record of reality and temporality, as well as a search of cinema as representation and interrogation of world. <![CDATA[<b>The Documentary, Between Definitions and Indefinitions</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200014&lng=en&nrm=iso&tlng=en En este ensayo se reflexiona sobre el documental mirado como género del arte cinematográfico. Se propone una definición suya correlacionada con los otros dos géneros primordiales del cine (ficción y animación): sus factores comunes y análogos así como sus diferencias. También analiza semejanzas y diferencias en los diversos usos, instituciones y valores del registro documental -arte fílmico, periodismo y didáctica- y manifestaciones como el falso documental, sin olvidar los filmes animados que reconstruyen hechos y memorias verídicas, a menudo confundidos con el cine documental (los géneros no se definen a partir de la veracidad o falsedad del tema sino de sus modos de hacer). Todo ello se imbrica en un sistema conceptual estético, de la teoría general del arte (teatro, literatura, pintura, etc.) y particularmente del cine.<hr/>This essay reflects on the documentary regarded like kind of the movie art. It propose a definition of this genre correlated with the other two cardinal genres (the movies of fiction and the movies of animation): His common and analogous factors as well as his differences. Also it examine similarities and differences in the various uses, institutions and values of the documentary record -cinema art, journalism and didactics- and manifestations as the false documentary, without forgetting the movies of animation that reconstruct facts and truthful memoirs, often confused falsely with the documentary movies (the genres cannot be defined by veracity or falseness of the theme but of his modes of doing). It all intertwines in a esthetic conceptual system, of the theory of the art (plays, novels, painting...) and particularly of the cinema. <![CDATA[<b> Javier Guerrero.</b><b><i> Tecnologías del cuerpo. Exhibicionismo y visualidad en América Latina</i></b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200015&lng=en&nrm=iso&tlng=en En este ensayo se reflexiona sobre el documental mirado como género del arte cinematográfico. Se propone una definición suya correlacionada con los otros dos géneros primordiales del cine (ficción y animación): sus factores comunes y análogos así como sus diferencias. También analiza semejanzas y diferencias en los diversos usos, instituciones y valores del registro documental -arte fílmico, periodismo y didáctica- y manifestaciones como el falso documental, sin olvidar los filmes animados que reconstruyen hechos y memorias verídicas, a menudo confundidos con el cine documental (los géneros no se definen a partir de la veracidad o falsedad del tema sino de sus modos de hacer). Todo ello se imbrica en un sistema conceptual estético, de la teoría general del arte (teatro, literatura, pintura, etc.) y particularmente del cine.<hr/>This essay reflects on the documentary regarded like kind of the movie art. It propose a definition of this genre correlated with the other two cardinal genres (the movies of fiction and the movies of animation): His common and analogous factors as well as his differences. Also it examine similarities and differences in the various uses, institutions and values of the documentary record -cinema art, journalism and didactics- and manifestations as the false documentary, without forgetting the movies of animation that reconstruct facts and truthful memoirs, often confused falsely with the documentary movies (the genres cannot be defined by veracity or falseness of the theme but of his modes of doing). It all intertwines in a esthetic conceptual system, of the theory of the art (plays, novels, painting...) and particularly of the cinema. <![CDATA[<b> Crispin Paine.</b><b><i> Religious Objects in Museums: Private Lives and Public Duties</i></b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200016&lng=en&nrm=iso&tlng=en En este ensayo se reflexiona sobre el documental mirado como género del arte cinematográfico. Se propone una definición suya correlacionada con los otros dos géneros primordiales del cine (ficción y animación): sus factores comunes y análogos así como sus diferencias. También analiza semejanzas y diferencias en los diversos usos, instituciones y valores del registro documental -arte fílmico, periodismo y didáctica- y manifestaciones como el falso documental, sin olvidar los filmes animados que reconstruyen hechos y memorias verídicas, a menudo confundidos con el cine documental (los géneros no se definen a partir de la veracidad o falsedad del tema sino de sus modos de hacer). Todo ello se imbrica en un sistema conceptual estético, de la teoría general del arte (teatro, literatura, pintura, etc.) y particularmente del cine.<hr/>This essay reflects on the documentary regarded like kind of the movie art. It propose a definition of this genre correlated with the other two cardinal genres (the movies of fiction and the movies of animation): His common and analogous factors as well as his differences. Also it examine similarities and differences in the various uses, institutions and values of the documentary record -cinema art, journalism and didactics- and manifestations as the false documentary, without forgetting the movies of animation that reconstruct facts and truthful memoirs, often confused falsely with the documentary movies (the genres cannot be defined by veracity or falseness of the theme but of his modes of doing). It all intertwines in a esthetic conceptual system, of the theory of the art (plays, novels, painting...) and particularly of the cinema. <![CDATA[<b><b>Presentación</b></b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200017&lng=en&nrm=iso&tlng=en En este ensayo se reflexiona sobre el documental mirado como género del arte cinematográfico. Se propone una definición suya correlacionada con los otros dos géneros primordiales del cine (ficción y animación): sus factores comunes y análogos así como sus diferencias. También analiza semejanzas y diferencias en los diversos usos, instituciones y valores del registro documental -arte fílmico, periodismo y didáctica- y manifestaciones como el falso documental, sin olvidar los filmes animados que reconstruyen hechos y memorias verídicas, a menudo confundidos con el cine documental (los géneros no se definen a partir de la veracidad o falsedad del tema sino de sus modos de hacer). Todo ello se imbrica en un sistema conceptual estético, de la teoría general del arte (teatro, literatura, pintura, etc.) y particularmente del cine.<hr/>This essay reflects on the documentary regarded like kind of the movie art. It propose a definition of this genre correlated with the other two cardinal genres (the movies of fiction and the movies of animation): His common and analogous factors as well as his differences. Also it examine similarities and differences in the various uses, institutions and values of the documentary record -cinema art, journalism and didactics- and manifestations as the false documentary, without forgetting the movies of animation that reconstruct facts and truthful memoirs, often confused falsely with the documentary movies (the genres cannot be defined by veracity or falseness of the theme but of his modes of doing). It all intertwines in a esthetic conceptual system, of the theory of the art (plays, novels, painting...) and particularly of the cinema. <![CDATA[<b>Persistence and Centrality of the Desert in Pier Paolo Pasolini's films</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200018&lng=en&nrm=iso&tlng=en El texto identifica y analiza estéticamente la presencia icónica y argumental recurrente del desierto en los filmes de Pier Paolo Pasolini. Como sitio de exposición del origen propio y de puesta a prueba de la integridad de lo humano, el desierto de Pasolini se propone como un lugar ontológico. En este análisis, la poesía y la prosa del artista italiano contribuyen a delimitar las formas y funciones estéticas del desierto en su poética cinematográfica.<hr/>The paper identifies and aesthetically analyzes the iconic and argumentative recurring presence of the desert in Pier Paolo Pasolini's films. As a place of exposure of the origins of human integrity and its testing, Pasolini's desert is proposed as an ontological site. In this analysis, the poetry and prose of the italian artist contribute to define aesthetic forms and functions of the desert in his cinematography. <![CDATA[<b>Aesthetics and Politics in the Writing of Pier Paolo Pasolini</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200019&lng=en&nrm=iso&tlng=en Este texto se propone establecer relaciones entre Escritos corsarios (1975) y los "apuntes y notas para una novela" publicados póstumamente en 1992 bajo el título de Petróleo. Como un intelectual comprometido con un pensamiento de izquierda, pero también como poeta, cineasta y creador, Pasolini produce una textualidad político-crítica de resistencia a la implantación del capitalismo global. Esta posición se traduce estéticamente en la escritura múltiple (poética, ensayística, narrativa y dramática). Petróleo constituye una novela que elabora estéticamente imaginación política y pensamiento cultural. Este texto trama lenguajes de una y otra escritura para configurar la significación de Pasolini como intelectual y artista comprometido.<hr/>This text aims to establish meaningful relationships between Escritos corsarios (1975) and "sketches and notes for a novel", published posthumously in 1992 under the title of Petróleo. As an intellectual committed to a leftist thought, but also as a poet, filmmaker and creator, Pasolini produced a political-critical textuality of resistance to the implementation of global capitalism. This position is reflected in his manifold writing (poetry, essays, fiction and drama) with which he writes Petróleo. This novel elaborates aesthetically political imagination and cultural thought. This text plots languages of this writing to configure the significance of Pasolini as an intellectual and committed artist. <![CDATA[<b>Pasolini / Performativity / Politics</b>: <b>Life as a Work of Art</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200020&lng=en&nrm=iso&tlng=en Este artículo busca trazar un eje reflexivo que recorra parte de la obra dramatúrgica e intelectual de Pier Paolo Pasolini, conectando sus dimensiones estéticas y políticas percibidas como formas de performatividad.<hr/>This paper proposes a reflexive axis revisiting part of the dramaturgical and intellectual work of Pier Paolo Pasolini, connecting its aesthetic and political dimensions perceived as forms of performativity. <![CDATA[<b>Intermedial Figures in <i>Teorema</i></b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200021&lng=en&nrm=iso&tlng=en A partir de los conceptos "intermedialidad" y "remediation", este trabajo quiere destacar y analizar la estética intermedial en la obra de Pasolini, específicamente algunas figuras encontradas en Teorema (libro y película): la "anfibología" como versión moderna de la fórmula horaciana ut pictura poiesis; la forma antiliteraria del texto; el "estilo indirecto libre" en literatura y cine; y a nivel temático de Teorema, la importancia de las artes y los medios técnicos como formas de mediación ente los sujetos burgueses y el mundo. Por otra parte, estas figuras se articulan con la propuesta pasoliniana de pensar el cine como "escritura de la realidad" y forman parte de su proyecto poético-cinematográfico y político-pedagógico en busca de lo sagrado perdido en las sociedades neocapitalistas.<hr/>Regarding the concepts of "intermediality" and "remediation", this article wants to highlight and analyze the intermedial aesthetics in Pasolini's work, especially some figures found in Teorema (book and film): the "anfibology" as modern versión of the Horacian formula ut pictura poiesis; the antiliterary form of the text; the "free indirect style" in literature and film; and on a thematic level of Teorema, the importance of arts and technical media as forms of mediation between bourgeois subjects and the world. On the other hand, these figures are articulated with Pasolini's proposal of thinking cinema as "writing of reality" and they are part of his poetic-cinematographic and political-pedagogical project in search for the lost sacred in our neocapitalist societies. <![CDATA[<b>Animality in Pier Paolo Pasolini's Films</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200022&lng=en&nrm=iso&tlng=en El presente artículo estudia el problema de la animalidad en tres películas del director italiano: Uccellacci Uccellini (Pajaritos y Pajarracos, 1966), Porcile (Pocilga, 1969) y Salò (1975). La figura del animal está presente en estas películas para señalar el límite de lo humano o aquello que sencillamente está fuera de lo humano. La figura del animal tiene en Pasolini un rendimiento a la vez estético (a partir de su teoría del "cine de poesía") y político que pone en tensión las divisiones tradicionales o modernas entre lo humano y lo animal.<hr/>This paper studies the problem of animality in three films by the Italian director Pier Paolo Pasolini: Uccellacci Uccellini (Hawks and Sparrows, 1966) Porcile (Pigsty, 1969) and Salò (1975). The figure of the animal is present in these films to mark the limit of the human or to show what is simply out of the human realm. The figure of the animal has in Pasolini's films an aesthetic (his "cinema of poetry") as well as a political productivity, which strains the traditional or modern divisions between the human and the animal realms. <![CDATA[<b>The Cinema of Poetry in Pasolini, Bolaño and Scherson</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200023&lng=en&nrm=iso&tlng=en En el presente trabajo se plantea que Una novelita lumpen de Roberto Bolaño y su transposición cinematográfica El futuro de Alicia Scherson actualizan elementos de "Cine de poesía" de Pier Paolo Pasolini. Si bien Bolaño y Scherson desmontan la oposición pasoliniana entre "lenguaje de poesía" y "lenguaje de prosa" por medio de la hibridación de géneros, coinciden con el cineasta italiano en cuanto a rechazar la estandarización de las formas de narrar. Este fenómeno se caracteriza por el predominio de relatos de carácter informativo, lineal y transparente tanto en el cine como en la literatura. Así, se plantea que las categorías "cine de poesía" y "cine de prosa" no describen una dicotomía estructural, sino política.<hr/>In the present work it is suggested that Roberto Bolaño's A Little Lumpen Novelita and its cinematographic transposition, Alicia Scherson's Il Futuro, actualize elements from Pier Paolo Pasolini's The Cinema of Poetry. Even though Bolaño and Scherson both deconstruct the Pasolinian opposition between "the language of poetry" and "the language of prose" through the hybridization of genres, they agree with the Italian filmmaker when it comes to rejecting the standardization of the narrative forms. This phenomenon is characterized by the prevalence of informative, linear and transparent narrative accounts both in film and in literature. It is thus argued that the categories of "cinema of poetry" and "cinema of prose" do not describe a structural dichotomy, but rather a political one. <![CDATA[<b>Pasolini and Zurita</b>: <b>Food Torture</b>]]> http://www.scielo.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000200024&lng=en&nrm=iso&tlng=en La película Saló de Pier Paolo Pasolini y el libro Zurita de Raúl Zurita comparten la representación de la violencia sobre los cuerpos como un efecto de la alianza que se produce entre la política y la ley, propia de los estados totalitarios. En ellos, toda la política se ejerce mediante leyes que no tan solo norman los espacios públicos, sino también los privados, lo que incluye las actividades sexuales, alimentarias y de defecación, entre otras. Ambos autores discuten esta práctica de la ley ejercida en espacios cerrados. Pasolini hace del palacio que encierra a los prisioneros una metonimia de todo tipo de nación y Zurita liga los territorios de las naciones latinoamericanas a ejercicios de exterminio.<hr/>Italian filmmaker Pier Paolo Pasolini's Saló film and Zurita, poetry book by chilean author Raúl Zurita, share the depiction of violence over human bodies as an effect of the alliance between Politics and the Law, a very common feature on totalitarian governments. All actions are exerted by means of laws dealing not only with public spaces, but also private ones, including sexual intercourse, feeding, and defecation. Both authors discuss these actions in the context of closed locations. Pasolini turns the palace and its prisoners into a metonymy for all nation, and Zurita links the territories of Latin-American nations to extermination practices.